FOTOMANA  |  New York, NY  1998-2000

“En 1994, Amorós obtuvo una NEA beca y una beca de viaje de Arts International para visitar Ghana y Costa de Marfil. El viaje duró dos meses. En los pequeños pueblos libres de turistas, Amoros encontró un mundo que la encantó con su integridad espiritual y natural, y conoció gente ajena a muchas ansiedades occidentales. Para Amorós, como muchos otros antes que ella, el viaje se convirtió en una experiencia personal, una búsqueda de su identidad.

Incapaz de hacer arte mientras visitaba África occidental, se centró en aprender sobre las religiones, culturas y artes locales. Visitó a una anciana sacerdotisa en Larteh, ubicada a una hora y media de Accra, Ghana. Estudió las banderas asafo (llamadas así por la palabra para grupos de guerreros tradicionales en la sociedad Fante del centro-sur de Ghana) y exploró diferentes religiones africanas. En Kumasi (Ghana), observó una colorida ceremonia de la corte en el Palacio Manyia, a la que asistieron el Jefe Ashantigini y sus guerreros, admirados en toda la región por su valentía.

Mientras aprendía sobre África, Amorós descubrió el parentesco entre Perú y Ghana; No solo los dos países alguna vez formaron parte del mismo continente, con climas y fuentes de alimentos comparables, sino que también comparten creencias y sensibilidades artísticas similares. “Después de mi viaje a África, no pude hacer arte durante unos cuatro meses” — recuerda Amorós. “Necesitaba tiempo para abordar el arte en mis propios términos”.

Cuando empezó a trabajar, no pudo parar, hasta encontrar la expresión deseada. Las obras de esta exposición emplean recuerdos del viaje a África Occidental como un punto de partida oblicuo, pero son artefactos no referenciales más que evocaciones literales de la experiencia específica del artista. Amorós coincide con el escritor James Baldwin, quien una vez escribió sobre sus raíces africanas: “Aceptar el pasado de uno, la historia de uno, no es lo mismo que ahogarse en él; es aprender a usarlo”.

La exposición toma prestado su título, “Fotomana”, de la palabra “bienvenido” en un dialecto local de la región Senufo de Costa de Marfil, una región conocida por sus exquisitas esculturas y pinturas sobre tela. Presenta una serie de relieves en forma de tablillas hechos de una mezcla de varios materiales orgánicos.

Al crear sus obras, Amoros comienza con una pieza de material de construcción llamada torno. Ella corta una hoja de panal de metal de torno en el tamaño deseado, luego la cubre con un compuesto de pulpa de algodón, rafia, paja, heno, arena y arcilla de Arizona. Las formas en relieve se modelan y se fijan al fondo con una cola a base de agua. La artista tiñe sus obras con óxido rojo porque el color rojo original de la mezcla se vuelve rosa después del secado. Las obras terminadas se cuelgan de cuerdas de sisal trenzadas con hojas de coca teñidas en té. Las piezas pequeñas se suelen exponer en la pared como un conjunto. Las piezas más grandes están dispuestas más como un modo de instalación, como una serie de paredes semitransparentes flexibles o cortinas que ocultan y revelan.

En este hábitat doméstico, el espectador puede deambular entre las obras y contemplar las ricas superficies a ambos lados. Al definir el espacio de esta manera, Amorós enfatiza aún más la calidad escultórica de sus obras, al tiempo que hace que la tactilidad de su superficie revele el proceso de trabajo.

Las obras de Amorós contienen formas arquetípicas que actúan como pictografías. Las siluetas de animales, personas y casas aparecen en varias combinaciones con marcas geométricas como triángulos, círculos y espirales. Animados por la fuerza centrífuga o dispuestos en forma de cuadrícula, se parecen más a presencias que a representaciones representadas. El dorso de las tablillas está cubierto con huellas de manos, aplicadas rítmicamente como anotaciones signatarias”.

“En 1994, Amorós obtuvo una beca NEA y una subvención de viaje Arts International para visitar Ghana y Costa de Marfil. El viaje duró dos meses. En los pueblos pequeños, libres de turistas, Amorós encontró un mundo que le cautivó por su integridad natural y espiritual, y conoció a personas ajenas a muchas angustias occidentales. Para Amorós, como para muchos otros antes que ella, el viaje se convirtió en una experiencia personal – la búsqueda de su identidad.

Imposibilitada de hacer arte durante su visita a África Occidental, se centró en el aprendizaje de las religiones, culturas y artes locales. Visitó a una anciana sacerdotisa en Larteh, que vivía a hora y media de Accra, Ghana. Estudió las banderas asafo (llamadas así por los grupos de guerreros tradicionales en la sociedad de Fante del centro-sur de Ghana) y exploró las diferentes religiones africanas. En Kumasi (Ghana), observó una ceremonia llena de color en el Palacio Manyia, a la que asistieron el Jefe Ashantigini y sus guerreros, que son admirados en toda la región por su valentía.

Mientras aprendía sobre África, Amorós descubrió el parentesco entre el Perú y Ghana, ya que no sólo fueron ambos alguna vez parte de un mismo continente – con climas y fuentes de alimentos comparables – si no porque también comparten las mismas creencias y sensibilidades artísticas. “Después de mi viaje a África, no pude hacer arte durante aproximadamente cuatro meses” – recuerda Amorós. “Necesitaba tiempo para acercarme al arte en mis propios términos.”

Cuando empezó a trabajar, no podía parar, hasta que encontró la expresión deseada. Las obras de esta exposición emplean recuerdos del viaje a África Occidental, como un punto de partida transversal, pero son piezas no referenciales en lugar de evocaciones literales de la experiencia específica de la artista. Amorós está de acuerdo con el escritor James Baldwin, quien una vez escribió sobre sus raíces africanas: “Aceptar el pasado de uno mismo – su historia – no es lo mismo que sumergirse en él, es aprender cómo usarlo.”

La exposición toma prestado el título “Fotomana” de la palabra “bienvenido” en un dialecto local de la región de Senufo de Costa de Marfil, región conocida por sus exquisitas esculturas y pinturas en tela. Presenta una serie de relieves a modo de placas hechas con una mezcla de diversos materiales orgánicos.

En la creación de sus obras, Amorós comienza con una pieza de material de construcción llamada torno. Corta una hoja de torno metal en forma de panal de un tamaño deseado y luego la cubre con un compuesto de pulpa de algodón, rafia, paja, heno, arena y arcilla de Arizona. Las formas del relieve son modeladas y colocadas en el fondo con un pegamento a base de agua. La artista tiñe sus obras con óxido rojo porque el color rojo original de la mezcla se torna rosado después del secado. Los trabajos terminados se cuelgan con cuerdas de sisal trenzado con hojas de coca teñidas en té. Las piezas pequeñas se muestran normalmente en la pared como un conjunto. Las piezas más grandes están dispuestas en más de un modo de instalación, como una serie de paredes o cortinas semitransparentes flexibles que ocultan y revelan.

En este hábitat doméstico, el espectador puede pasear entre las obras y contemplar superficies ricas en ambos lados.  Al definir el espacio de esa manera, Amorós subraya aún más la calidad escultórica de sus obras, mientras que lo tangible de su superficie muestra el proceso de trabajo.

Las obras de Amorós contienen formas arquetípicas que actúan como pictogramas. Siluetas de animales, personas y casas aparecen en diversas combinaciones con marcas geométricas como triángulos, círculos y espirales. Animados por la fuerza centrífuga o dispuestos en un patrón en forma de rejilla, que se parecen más a presencias que a representaciones ilustradas. La parte posterior de las obras está cubierta con huellas de manos, aplicadas rítmicamente como notaciones de firmas.”