Arte de luz y perfiles de artistas de luz de renombre
INSIGHTS article Grimanesa Amoros Renowned Light Artists
El arte puede usar la luz para transmitir emociones, pensamientos conceptuales o hacer una declaración; trasciende el lenguaje.
Los artistas siempre han utilizado la luz para enfatizar ciertos aspectos de sus obras de arte. La forma en que la luz baña una canasta de frutas, por ejemplo, o brilla en un arete de perlas, puede acentuar los atributos de una obra de arte. El contraste de la oscuridad con la luminosidad puede ser atractivo. El claroscuro, por ejemplo, es una técnica que utiliza un marcado contraste entre la luz y la oscuridad para crear composiciones dramáticas, utilizada principalmente por artistas como Caravaggio, Rembrandt y Goya. En el arte moderno y contemporáneo, solo ha cambiado el medio.
Light can be used to light works of art. Some artists use light itself as art. Light art, as it’s come to be known, can take multiple media forms, including sculpture, installation, and performance. Artists can use colors, angles and shadows to create their work. You may have seen more of what’s called light art than you realize; neon signs, holographic images projected on a building, abstract light fixtures or light sculptures. Light art dominates museums as well as commercial and residential spaces, making it a prominent and accessible art form.
Antecedentes sobre el arte de la luz
La bombilla se inventó en 1879. Sin embargo, se cree que un artista llamado El Lissitzky es el primero en utilizar luz eléctrica en su trabajo, 60 años después. Una de las primeras esculturas de luz basadas en objetos fue realizada por Laszlo Moholy-Nagy en la década de 1920.
Pero el uso de la luz en el arte se remonta a la cultura antigua.
“La interacción de la oscuridad y la luz ha sido un tema que va desde la escultura griega y romana hasta la pintura renacentista y el cine experimental”, explicó la crítica de arte Hilarie M. Sheets. “A medida que la tecnología avanzó desde el brillo de la bombilla eléctrica hasta el monitor de la computadora, los artistas experimentaron con la luz real como material y tema”.
De la bombilla a la proyección
El arte de la luz, como se lo conoce hoy en día, se originó en la década de 1960 como arte cinético o luminocinético. En formas posteriores, algunos artistas usaron la luz para crear experiencias psicodélicas. De ese movimiento surgió el minimalismo, con artistas como el difunto Dan Flavin, que trabajaba con tubos de luz fluorescente, jugando con la luz en relación con la escultura, el movimiento y varios espacios.
Neon tomó la escena del arte ligero en la década de 1980. Durante esta década, las luces de neón eléctricas resurgieron como parte de la escena artística. Los artistas comenzaron a utilizar el neón en el diseño de interiores y la escultura en un esfuerzo por traspasar los límites.
La última tendencia del arte de la luz es el mapeo de proyección, que proyecta video en un objeto o pared. Cuando se muestra contra objetos tridimensionales, un video proyectado emplea color, luz y movimiento para dar la apariencia de transformar un objeto estático en algo casi real.
Innovación LED en el arte de la luz
Otra tendencia reciente en el arte de la luz es la aparición de festivales de luz que utilizan luces LED. Las luces LED permiten exhibir proyectos altamente visibles y de bajo consumo en las ciudades modernas. El movimiento LED de bajo consumo se remonta a 2009. Hoy en día, las principales ciudades organizan exhibiciones de luces al aire libre con luces brillantes de bajo consumo.
Artistas de la luz
Muchos artistas han ganado notoriedad utilizando la luz como medio artístico. Desde exposiciones en espacios públicos hasta vitrinas en museos, el arte de la luz utiliza encuentros cotidianos para expresar una experiencia, un pensamiento o una emoción. Entre los artistas que utilizan la luz:
ellsworth kelly
Ellsworth Kelly fue un pintor, escultor y grabador estadounidense de Spencertown, Nueva York, asociado con la pintura y el minimalismo Color Field. Sus técnicas enfatizan la línea, el color y la forma. Kelly a menudo usaba colores brillantes.
lucio fontana
Esta escultura aérea, 100 pies de tubo de neón que se cierne sobre su cabeza, ahora cuelga en el Museo Novecento en Milán, Italia. Las ventanas gigantes lo invitan a mirar hacia el famoso Duomo, sin embargo, sus ojos se sienten atraídos por Fontana's. Estructura en Neón para la 9ª Trienal de Milán en el Palazzo dell'Arte, Milán 1951 titulado según el lugar donde se instaló originalmente. El arte de la luz de Fontana combinó lo que él denominó "concepto espacial" y "entorno espacial".
james turrell
Entre las piezas de James Turrell se encuentra esta instalación en el Museo Guggenheim de Nueva York, donde Turrell utilizó la forma y la luz para sumergir al visitante en púrpura. Turrell demostró aquí que la luz no tiene que ser estática o mostrarse en una pared; muestra que la luz puede ser simplemente parte de una experiencia.
Jenny Holzer
En este artículo, Jenny Holzer hace una declaración sobre el poder usando palabras claras de documentos desclasificados del gobierno de EE. UU. Su pieza se exhibió en el Museo Whitney, pero el trabajo de Holzer se ha exhibido en muchos lugares, incluido Times Square.
ben rubin
Al deletrear palabras con luz, Ben Rubin dejó una huella en la escena del arte de la luz. Con un trasfondo multimedia, Rubin usó bombillas fluorescentes al vacío para mostrar el texto de una sala de chat en tiempo real. Mediante el uso de luz y oscuridad dentro de una bombilla de luz especializada, creó una pieza única.
jim campbell
Jim Campbell creó esta pieza, titulada Luz dispersa, en 2010, mostrando a los transeúntes. Con un conjunto colgante de 2000 luces LED, Campbell diseñó la pieza para que las luces se apaguen individualmente cuando la gente pase. Desde lejos, la escena es casi espeluznante cuando ves siluetas que se deslizan más allá de las luces.
olafur eliasson
Instalado en Pinchukartcentre en la ciudad histórica de Ucrania, Kiev, en 2011, la inspiración del artista danés-islandés Eliasson para Lámpara para Movimiento Urbano son las sombras y la luz y cómo la diferencia crea espacio. “Digamos que las esferas son máquinas que crean espacio”, dice Eliasson. “Algunos de ellos contienen una fuente de luz en el interior que proyecta luz fragmentada hacia el espacio donde están colgados, como una proyección de mapa. Así que no es solo, o principalmente, el objeto físico en el espacio lo que me interesa, sino la forma en que la luz, las sombras y los colores reclaman y crean espacio juntos. Hacen arquitectura, se podría decir”.
Grimanesa Amorós
Grimanesa Amorós, nacida en Perú, vive y trabaja en la ciudad de Nueva York como una artista interdisciplinaria conocida por sus instalaciones a gran escala de escultura de luz. Amorós primero investiga ubicaciones, historias y comunidades de sus sitios, e incorpora varios elementos de video, iluminación y tecnología para crear instalaciones específicas del sitio para involucrar a la arquitectura y crear comunidad.
El arte de la luz cuenta una historia.
De hecho, cuenta bastantes. Los artistas modernos han aprovechado esta tecnología relativamente nueva para jugar con una antigua fascinación que los humanos tienen con el arte y la luz. Al experimentar con el color y la forma y entrelazar su existencia con los materiales externos, nuestros espacios públicos y nuestros museos, el arte de la luz desafía la forma en que percibimos las cosas que nos rodean.
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